Comment pratiquer le chant (même les mauvais jours)

Chanter en 2020 (00:19)

Jordanne : Ici le Singers Tension Podcast, le balado par des chanteurs, pour des chanteurs. Bienvenue, Susan, au tout premier épisode du Singers Tension Podcast. C’est tellement agréable de t’avoir avec moi. Susan est une soprano de Montréal, au Canada, qui chante présentement Lucia avec les Jeunesses Musicales. Aujourd’hui, on va parler de l’anxiété des chanteurs pendant la COVID, et de la pratique. Alors d’abord, Susan : comment ça va avec la COVID? Est-ce que tu sens que ça t’affecte?

Susan : Ça m’affecte, c’est sûr, mais ça va bien en ce moment. C’est vraiment extraordinaire d’être de retour en répétition. Ça a fait une énorme différence dans mon moral en général, et musicalement, c’est très inspirant, surtout de travailler sur un opéra alors qu’il se fait très peu d’opéra au Canada présentement. Je me sens vraiment chanceuse, mais ça a été difficile depuis mars.

Jordanne : C’est vraiment génial que les Jeunesses Musicales aient trouvé une façon de garder tous les chanteurs engagés pour ça, parce que c’est normalement une tournée dans au moins l’Est du Canada. Mais je sais que tu as perdu beaucoup de contrats et que des choses sont tombées à l’eau.

Susan : Absolument. J’ai perdu beaucoup de travail, et ça a été très douloureux et stressant, financièrement et aussi parce que ça m’enlevait des choses sur lesquelles me concentrer dans la vie. Les musiciens travaillent tellement fort et consacrent tellement de temps que chanter n’est pas juste un travail pour moi. Ça nourrit vraiment mon âme. Cet été, je devais chanter ma toute première Lucia, un rôle de rêve pour moi. Je l’aime tellement, j’ai toujours voulu le chanter et il convient très bien à ma voix. Le projet a été sauvé en partie : on fait une version numérique, et j’en suis vraiment contente. Mais je suis une artiste de scène. C’est ce que j’aime vraiment. Alors ça a été assez dévastateur.

Répéter un opéra avec des masques (02:23)

Jordanne : Je sais que tu viens d’avoir une de tes répétitions de Lucia, et que le processus était complètement différent.

Susan : On doit suivre beaucoup de consignes. On se lave les mains tout le temps et on désinfecte les accessoires entre chaque utilisation. On doit porter des masques, et pas les nôtres : on porte les masques médicaux bleus et on les change toutes les quelques heures. Et il y a la distanciation, bien sûr. L’adaptation la plus difficile, et je pense que mes collègues seraient d’accord, c’est qu’on porte le masque tout le temps, même quand on chante. C’est inconfortable. On ne s’entend pas de la même façon, et on n’entend pas le son plein et résonnant des autres chanteurs. On sent le masque sur son visage et on en est conscient tout le temps.

Susan : J’essaie de ne pas laisser ça changer ce que je fais, mais au début, c’est forcément une adaptation. Pour y arriver, je dois faire confiance à la sensation plutôt qu’au son. C’est la même idée que chanter dans une mauvaise acoustique : on ne change pas sa façon de produire le son juste parce qu’on s’entend différemment. On se concentre sur le geste physique et la sensation dans son propre instrument qui crée le son. On passe tous à travers et ça va bien aller, mais ça a été difficile.

Jordanne : Le chant est vraiment symbiotique. Même si tu ne connais rien à l’opéra, quand tu vas en voir un, quelque chose se détend en toi, surtout autour de ton appareil vocal, parce que ces chanteurs ont tout relâché dans leur gorge. Alors en répétition, si tu manques ces harmoniques et le son plein des autres chanteurs, que tu le saches ou non, tu captes probablement un peu de tension ou de manque d’espace dans ce qu’ils produisent. L’as-tu remarqué?

Susan : Un peu, oui. J’ai de la chance parce que tout le monde dans cette distribution chante vraiment bien, et ils se débrouillent bien avec les masques, alors il n’y a pas beaucoup de bizarreries techniques. C’est plutôt que le son me manque. Être en répétition avec d’autres bons chanteurs est tellement inspirant et motivant, et en ce moment le son est étouffé, alors ce n’est pas tout à fait la même expérience.

Jordanne : Est-ce que tu sens que tu peux faire des sons aussi beaux et artistiques que tu le veux, ou est-ce que les masques nuisent à ça?

Susan : Ça devient plus facile. Ça nuisait clairement les premiers jours, mais je trouve des façons de faire avec maintenant. C’était juste une question d’habitude.

Jordanne : Et vous devez aussi les porter pendant que vous jouez.

Susan : Oui, et c’est vraiment bizarre aussi. On raconte une histoire et on joue des personnages qui interagissent, et on ne voit pas le visage complet des autres. Mais ça a été un bon défi, parce que quand on joue, tout le corps sert à incarner le personnage, pas seulement le visage. Ça m’a obligée à en être plus consciente, et notre metteur en scène nous donne beaucoup de commentaires là-dessus.

Jordanne : Je me souviens de cours de clown à Opera NUOVA où on mettait un masque pour que personne ne voie notre visage, et on devait jouer une scène seulement avec notre corps. On se sentait très ridicule d’être aussi dramatique, et peu de rôles demandent d’être aussi animé, mais ça pousse vraiment au-delà de ce qui est confortable. Sur scène, tout est réduit pour le public, alors il faut être plus grand. On ne pense pas souvent à comment notre corps montre la fatigue ou la colère, et quand on a seulement le droit de le montrer avec le corps, c’est une façon très utile de développer sa présence physique comme acteur.

Susan : C’est tout à fait vrai. Mais ne pas voir les visages, c’est vraiment poche. J’aimerais tellement voir ce que font mes collègues.

L’anxiété, la motivation et l’inconnu (07:28)

Jordanne : Quand tu vas pratiquer, as-tu remarqué qu’avec tout ce qui se passe, tu es moins motivée?

Susan : Ça a été vraiment difficile. En ce moment je suis en répétition, alors ça va, mais ça a été des montagnes russes depuis mars et j’ai vécu tous les sentiments négatifs. Pour moi, le plus difficile, c’est l’inconnu. Ça a créé beaucoup d’anxiété, et l’anxiété est une ennemie pour un chanteur. Les chanteurs y font face de toute façon parce que c’est une vie stressante, mais j’ai dû y travailler surtout ces derniers mois.

Susan : Il y a des pensées dans ma tête qui ne m’aident pas, comme : c’est inutile, ta carrière est finie alors qu’elle commence à peine, parce que l’industrie s’effondre et ne s’en remettra pas. Ou que le chant n’est pas important devant une énorme crise sanitaire. Je ne le crois pas vraiment; je pense que l’art donne un sens à la vie et qu’il est vraiment important. Mais parfois cette pensée me vient et rend la motivation difficile. Et je suis triste parce que ça va être long avant que je sois sur scène devant un public. Il y a beaucoup d’inconnu, et beaucoup a été perdu.

Jordanne : Et quand tu vas pratiquer, il n’y a rien de concret à l’horizon à préparer. Octobre, c’est quand les chanteurs classiques font toutes leurs auditions, et la plupart des compagnies viennent d’annuler la prochaine saison. Alors tu te dis : pourquoi pratiquer quand il n’y a à peu près rien pour lequel auditionner pendant un an? Tu ne sais même pas à quoi ça va ressembler. Va-t-on chanter en personne? Est-ce que ça va durer deux ans? Mais d’un autre côté, si tu arrêtes de pratiquer pendant un an parce que tu n’en vois pas l’intérêt, ta voix en souffre vraiment. Ce n’est pas comme un vélo qu’on laisse et qu’on reprend. C’est plus comme être athlète olympique. Il faut rester constant.

Susan : Absolument. Et l’anxiété n’est pas seulement dans la tête. Comme praticienne de la technique Alexander, tu le sais probablement mieux que moi. Elle se traduit dans le corps. Elle affecte la posture, la respiration et crée de la tension, et comme chanteuse, ton corps est ton instrument. Les émotions sont physiques. Elles ne se passent pas isolément dans le cerveau. On vit dans une société qui a tendance à tout intellectualiser, alors on donne plus de pouvoir aux pensées qui viennent avec nos sentiments qu’à l’expérience physique qu’on en fait.

Susan : On ne peut pas juste décider : « Je ne serai pas anxieuse maintenant, je dois pratiquer. » Il faut parfois faire des choses dont on n’a pas envie, mais pour moi, la question est de savoir si on les fait en coopération avec notre état physique ou contre lui. Je dois reconnaître comment je me sens, y compris la sensation dans tout mon corps, avant de pouvoir m’en occuper. Que se passe-t-il dans mon cou? Est-ce que mes épaules s’affaissent? Ma mâchoire est-elle serrée? Est-ce que je retiens mon souffle, ou des muscles qui m’empêchent de respirer pleinement?

De remarquer la tension à la relâcher (11:31)

Jordanne : Donc tu utilises la pleine conscience pour vérifier ton corps avant de te lancer dans un chant intense comme Lucia. Le reconnaître est important, mais quel est ton processus pour passer de « je sais que je suis anxieuse » à être physiquement ouverte pour chanter?

Susan : Je fais un balayage tout le temps. Après m’être occupée de ce que je remarque en relâchant consciemment des muscles ou en ajustant ma posture, si je me sens vraiment mal, je commence la séance par des exercices de respiration. Je peux méditer, ce qui m’aide à remarquer d’autres choses dans mon corps et calme mon esprit pour que les pensées négatives ne nourrissent pas ce que je ressens. Et assez régulièrement, même quand je vais bien, je fais du yoga dans mon réchauffement. Je trouve ça très utile.

Susan : Quand je prends mon souffle pour chanter, j’essaie de ne pas penser que je prends une respiration. C’est plutôt laisser le souffle entrer dans mon corps. Un exercice que je fais sert à trouver comment mon corps inspire naturellement sans que j’essaie de le contrôler : contracter tous les muscles puis les relâcher pour laisser entrer l’air, encore et encore, sans m’arrêter pour respirer autrement entre les deux. Ça me détend vraiment, et ça engage aussi ce processus.

Jordanne : J’adore l’idée que le souffle entre non pas parce qu’on le prend, mais en réaction au relâchement des muscles. La plupart des chanteurs ont tellement de difficulté avec la respiration. On se fait dire de respirer avec le ventre ou le dos, ou « tes épaules bougent, ne fais pas ça », et ça devient un jeu de manipulation du corps. En réalité, s’il y a un gros mouvement physique quand on inspire, il y a probablement de la tension aux mauvais endroits. Alors si le souffle entre tout seul et que tes épaules bougent encore beaucoup, c’est un signe qu’il faut regarder la tension et l’alignement qui en sont la cause.

Susan : C’est tout à fait logique. Tellement de ce qu’on fait revient à la respiration, et pas seulement en chant.

Jordanne : Il y a aussi une course, surtout pour ceux qui veulent chanter professionnellement, à être à 100 % et à être le chanteur parfait tout de suite. Le travail corporel, la respiration et la méditation sont lents. Tu restes avec ce qui se passe dans ton corps et tu le changes avec ton esprit, ta relation psychophysique. Tu te dis : « Je connais mon habitude, et je vais choisir de relâcher ou d’inhiber cette tension et de faire autre chose. » Ça peut prendre beaucoup de temps, et ensuite tu te dis : « Je n’ai même pas chanté aujourd’hui, alors est-ce que j’ai pratiqué? » Mais oui, parce que tu t’es occupée de ton instrument. Il doit être aligné et détendu avant que tu produises un son, sinon le son sera simplement serré.

Susan : La conscience corporelle est vraiment importante pour le chant, point. C’est un processus constant. On ne peut pas être conscient de son corps 45 minutes par jour pendant qu’on chante et l’ignorer le reste du temps. Ce que tu apportes à ta pratique, c’est ce que tu as fait les 23 autres heures. Tu dors peut-être dix heures sur n’importe quel matelas, tu te réveilles le cou raide et mal alignée, et tu dois t’en occuper avant de chanter. C’est ce que je veux dire par travailler avec ton corps plutôt que contre lui. Si tu n’as aucune conscience de ce qui se passe et que tu essaies juste de forcer, ça ne fonctionnera pas aussi bien que ça pourrait.

Jordanne : Ça devient comme se cogner la tête contre un mur en se demandant : « Pourquoi je ne m’améliore pas? Je pratique. » Eh bien, tu pratiques de la mauvaise façon.

Réussite ou bienveillance envers soi (16:37)

Jordanne : Je change un peu de sujet, mais je pense que c’est une conversation intéressante en ce moment, surtout sur les réseaux sociaux. D’un côté : on est coincés à la maison avec tout ce temps libre, alors on devrait accomplir plus et travailler plus fort. De l’autre : tu vis une pandémie qui est déjà stressante mentalement, alors sois bienveillante envers toi-même et n’attends pas trop de toi. Où te situes-tu?

Susan : Comme artiste, le travail n’est jamais fini. Parfois c’est inspirant et parfois c’est écrasant, et pendant la pandémie, ça a été plus écrasant, parce que je ne me sentais pas bien face à l’état du monde, de l’industrie et de la précarité de mon travail futur. Une grande partie de ma pratique est une décision que je dois prendre. Je n’aime pas le mot « forcer », mais ce n’est pas toujours quelque chose qui m’inspire, et quand je ne pratique pas, je me dis souvent que je devrais.

Susan : Une chose qui fonctionne vraiment pour moi, c’est de me dire quand je vais pratiquer, puis de vraiment me concentrer et consacrer ce temps. J’essaie d’éliminer le plus de distractions possible pour que ce soit efficace. Puis, quand j’ai fait mon temps et ce que j’avais à faire, le travail n’est pas fini, mais je peux quand même fermer ma partition et m’en aller. Ça peut être fini pour la journée. Plus je suis régulière, plus j’apaise cette culpabilité de ne pas travailler assez fort.

Susan : Et l’équilibre dans la vie est tellement important. La musique n’est pas tout. Avoir d’autres choses qui comptent pour toi fait de toi une meilleure artiste, pour ta santé mentale et physique, comme on en a déjà parlé, et pour avoir quelque chose à dire quand tu fais de la musique. La musique rapproche les gens. Comment peux-tu te rapprocher d’un personnage d’opéra si tout ce que tu as fait, c’est pratiquer et étudier? Ta perspective compte dans l’interprétation, et si tu n’as pas vécu, il te manque la partie qui touche ton public. Quand je chante, je raconte une histoire autant que je fais de la musique.

L’expérience de vie comme coffre à outils d’acteur (19:38)

Jordanne : J’ai des opinions fortes sur le jeu, surtout pour les chanteurs d’opéra. Il faut absolument avoir quelque chose sur quoi s’appuyer. Si on étudie Uta Hagen et d’autres grands professeurs de jeu, il y a le transfert : on prend quelque chose de sa propre vie qui fait ressentir l’émotion qu’on veut que le personnage exprime, et on l’applique. Le public voit le personnage vivre sa situation, mais toi, tu relies quelque chose de complètement différent de ta propre vie. Sans cette expérience de vie, tout ce que tu peux faire, c’est jouer chaque personnage comme quelqu’un qui étudie compulsivement.

Susan : C’est vrai. Et même si on ne peut pas s’identifier personnellement à tout ce que vit un personnage, vivre sa vie et faire des expériences nous rend plus capables d’éprouver de l’empathie et de comprendre d’où il vient. Plus on vit d’expériences, plus on peut donner de la profondeur à un personnage.

Jordanne : Ça nous ramène à la question : pratique-t-on plus pendant une pandémie parce qu’on a du temps libre, ou moins? Comme tu l’as dit, choisis un moment pour pratiquer. Fais-en une habitude, comme aller au gym ou dîner, un peu chaque jour si c’est ce qui te convient, mais régulièrement. Puis reconnais que ne pas chanter en ce moment ne veut pas dire que tu n’apprends rien que tu pourras appliquer comme artiste. Si tu pratiques la conscience corporelle toute la journée, tu pratiques toute la journée. Plus tu alignes ton corps en lavant la vaisselle ou en te brossant les dents, plus ça s’intègre à ton chant et te permet de bouger librement sur scène sans compromettre ton appareil vocal.

Jordanne : Et regarde comment tu réagis à cette pandémie. C’est quelque chose sur quoi tu pourras t’appuyer plus tard quand tu joueras un personnage extrêmement anxieux. Fais attention à ce que tu ressens en ce moment. Ça peut être une façon utile de voir les moments difficiles : ils nourrissent ton travail futur.

Susan : Je n’y pense pas très souvent, mais c’est vraiment convaincant. Je devrais peut-être y penser plus.

Jordanne : C’est quelque chose avec quoi jouer. Et trouve du temps pour simplement être heureuse et être une personne. Je connais beaucoup de chanteurs qui ont une peur constante : « Si je ne réussis pas comme chanteur, je ne sais pas qui je suis. » Tu dois explorer qui tu es pour apporter plus à ton art, mais aussi pour que, quand tout tombe à l’eau, tu saches encore ce qui te rend heureuse et que tu puisses t’en servir pour gérer l’anxiété. J’adore jouer avec le maquillage et regarder des films d’horreur. Certains jours, je vais faire ça et pratiquer demain, parce qu’aujourd’hui je ne suis pas dans le bon état d’esprit. C’est important d’être régulier, mais c’est aussi important de respecter l’état de sa santé mentale et de faire des choix en conséquence.

Savoir quand prendre du recul (24:44)

Susan : C’est tellement vrai. Il faut pratiquer beaucoup, mais parfois la meilleure solution est de prendre du recul. Ça arrive aussi à plus petite échelle. S’il y a quelques mesures vraiment difficiles techniquement que je reprends encore et encore et que ça ne fonctionne pas, je suis tentée de les pratiquer à mort. Mais si ça ne fonctionne pas, tout ce que je fais, c’est créer une mémoire musculaire pour une mauvaise habitude. C’est là que je dois prendre du recul et me dire : ce n’est pas parfait, je vais y travailler, mais la prochaine fois je dois l’aborder autrement, et je ne sais pas encore comment. Alors je passe à une autre partie de la pièce ou à une autre musique. Et parfois, il faut prendre une journée complète de congé. Si tu n’es vraiment pas dans un bon état mental et que tu n’as pas absolument besoin de pratiquer ce jour-là, c’est correct.

La pratique comme un jeu (25:44)

Jordanne : Si tu remarques que tu n’as pas envie de pratiquer ou de chanter, commence à l’aborder comme un jeu. Je le dis tout le temps à mes élèves : quand vous allez pratiquer, jouez. Voyez ce que vous pouvez faire autrement. Si vous prenez seulement une page de musique ce jour-là, de combien de façons pouvez-vous la pratiquer? Pouvez-vous la faire une fois en pensant seulement à relâcher votre mâchoire? Sur une autre voyelle? Je sais qu’on a parlé d’un professeur qui t’a fait chanter couchée au sol. C’est drôle, mais c’est aussi beau, parce qu’on n’a pas besoin d’être debout pour trouver notre voix. Quand on aborde la pratique avec cette légèreté et cette curiosité, on s’y intéresse davantage parce que c’est plaisant.

Susan : Absolument. Les chanteurs ont la réputation de faire des exercices étranges, et pour cause. Parfois je fais des bruits d’animaux, ou je crie, ou je fais vibrer mes lèvres, ou je fredonne. Ce n’est pas de la musique, juste faire du son avec mon corps, voir comment ça se sent et découvrir ce que je dois faire pour créer certaines couleurs. C’est se familiariser avec son instrument, et ça peut être très inspirant, mais ça aide aussi techniquement. Chanter couchée au sol ne vise pas un résultat précis. C’est aborder le son d’un autre endroit, alors on ressent et on trouve des choses différentes, et certaines sont utiles.

Jordanne : Dernière question : y a-t-il un exercice ou un truc un peu fou dans ta pratique que tu recommanderais d’essayer?

Susan : Les trilles de lèvres. Si je sens que je ne suis pas dans mon corps en travaillant ma musique, je fais des trilles de lèvres, parce qu’on ne peut pas en faire sans engager son souffle. C’est physiquement impossible. Parfois je fais vibrer mes lèvres sur une pièce complète sans arrêter, et parfois je ne respire pas là où je l’avais prévu. Je continue jusqu’au bout de mon souffle. Ça me réveille vraiment et ça engage tout.

Jordanne : Je fais ça aussi. Pour ceux qui ne sont pas encore des chanteurs avancés, quand vous commencez les trilles de lèvres, regardez si vous serrez la mâchoire juste pour faire vibrer vos lèvres. Si votre mâchoire est serrée pendant la trille, elle sera serrée quand vous chanterez aussi. Si vous pouvez relâcher la mâchoire en la faisant, ça aide énormément à porter votre air dans la musique. Ensuite, reprenez la pièce en respirant toujours là où vous voulez, mais en pensant à continuer de chanter, pour obtenir des phrases plus longues.

Susan : Dans tous mes réchauffements, j’essaie d’être consciente de ce que je fais. Quand je fais des trilles de lèvres, je ne fais pas exactement ce que je fais physiquement quand je chante. J’essaie de relâcher ma mâchoire, mais ce n’est pas la même chose que chanter. Pour moi, le but des trilles de lèvres, c’est le souffle, les longues phrases et l’engagement du corps. C’est juste un outil de plus pour ta séance de pratique.

Jordanne : J’adore ça. Merci beaucoup, Susan, d’avoir été avec nous au Singers Tension Podcast. Je suis Jordanne Erichsen, et on espère que ça vous inspirera à aller chanter et faire de la musique.